Esta primeira versão sobre o tema “Medusa” oferece uma interpretação visualmente poderosa e psicologicamente complexa da figura mítica. A peça, um retrato de busto, adota um estilo gráfico de alto contraste que se aproxima da estética da banda desenhada ou da gravura, utilizando linhas negras e espessas para definir a forma contra o espaço negativo.
A composição foca-se na dualidade inerente à personagem: a sua humanidade perdida e a sua monstruosidade imposta. Esta tensão é visualizada através do contraste entre o rosto da figura e a sua infame cabeleira. O cabelo é representado como um emaranhado denso e labiríntico de serpentes. No entanto, o seu tratamento é marcadamente estilizado; as serpentes entrelaçam-se em volutas e espirais que formam um padrão quase ornamental, uma coroa barroca e pesada que enquadra o rosto. Esta representação transforma o horror biológico numa carga simbólica, a manifestação visível da maldição que define a sua identidade.
O ponto focal da obra, contudo, é a expressão do rosto. Desprovida de qualquer traço monstruoso, a face da Medusa é profundamente humana e carregada de uma emoção complexa. O seu olhar é direto e intenso, as sobrancelhas levemente franzidas e os lábios cerrados numa expressão de severidade, melancolia e talvez até de uma raiva contida. Não é o olhar que petrifica, mas o de alguém que suporta um fardo insuportável. É o rosto de uma vítima, não de um monstro.
Nesta dissonância entre a moldura serpentina e o núcleo humano reside a força da peça. O design convida a uma leitura para além do mito tradicional de terror. Em vez de apresentar a Medusa como uma ameaça a ser vencida, retrata-a como uma figura trágica, cuja identidade foi irrevogavelmente alterada por forças externas. A obra humaniza o monstro, focando-se no sofrimento e na resiliência silenciosa da mulher por trás do mito. É um retrato que explora a natureza da identidade, da maldição e da forma como a aparência pode ocultar uma profunda tragédia interior.
“Até um monstro tem uma história.” — Anónimo
